阿部展也
阿部展也（あべ のぶや）の作品「神話A（しんわ えい）」は、戦後の日本美術史において重要な位置を占める、抽象表現主義的な傾向を持つ油彩画です。
この作品は、画面全体を覆うように広がる、複雑に絡み合った形態と色彩のレイヤーが特徴です。具体的な具象性は排され、筆致は力強く、厚みのある絵具の層が画面にダイナミックな動きを与えています。画面の中央部には、重なり合う複数の曲線的なかたちが見て取れ、それらは時に荒々しく、時に滑らかに、互いに干渉し合っています。色彩は、深い青や黒といった抑制された色調を基調としつつも、その間から覗くように赤や黄、白といった鮮やかな色がスパークし、緊張感と同時に一種の神秘的な輝きを放っています。光の表現は明確な光源を持つものではなく、色彩そのものが内側から発光しているかのような印象を与え、見る者の意識を深遠な領域へと誘い込みます。テクスチャーは絵具の厚塗りとスクラッチ（引っ掻き）によって多様な表情を見せ、見る角度によって異なる陰影が生まれ、作品に奥行きと立体感をもたらしています。画面の奥深くに潜むエネルギーが、まるで神話的な出来事が静かに、しかし確実に進行しているかのようです。
阿部展也は1930年代にパリでシュルレアリスムに触れ、戦後日本の美術界において、抽象表現の可能性を追求した重要な画家の一人です。戦後、日本がGHQの占領下におかれ、自由や民主主義が唱えられつつも、深い精神的疲弊と社会の混乱が続く中で、多くの画家たちは表現の模索を続けていました。阿部展也もまた、そのような時代の中で、具象表現が孕むイデオロギーや限定性から離れ、より普遍的な精神性を探求する方向へと向かいました。「神話A」が制作された時期は、彼が具体美術運動（ぐたいびじゅつうんどう）に関わる前夜にあたり、戦後の虚無感や不安、そして新たな時代の到来への期待といった当時の社会情勢や人々の複雑な感情が、作品の根底に流れる精神性として反映されていると考えられます。彼は、人間が抱える根源的な問いや、歴史の中で繰り返されてきた出来事を、「神話」という普遍的なテーマに重ね合わせ、抽象的なかたちで表現しようとしたのではないでしょうか。
「神話A」は主に油彩を用いて描かれています。阿部展也は油絵具を厚く塗り重ねるアンパスト（厚塗り）の技法を多用しており、絵具の層が画面に強い物質感と量感を与えています。また、彼の作品には、絵具が乾ききる前にナイフや筆の柄などで引っ掻くスクラッチングの技法や、絵具を垂らしたり、滲ませたりするドリッピング、ステイニングといった手法が見られます。これらの技法は、絵具の偶発的な効果を作品に取り込むことで、計画された構成だけでは生まれ得ない、予期せぬ奥行きやテクスチャーを生み出しています。キャンバスの上で絵具が持つ物理的な特性を最大限に引き出し、筆触（ひっしょく）の勢いをそのまま画面に定着させることで、画家自身の身体的な動きや感情が作品に直接的に刻み込まれていると言えます。
作品名にある「神話（しんわ）」という言葉は、特定の物語や伝承を指すものではなく、人間が共有する根源的な記憶、あるいは集団的無意識の領域を表していると考えられます。Abe Nobuya / Myth Aというタイトルが示すように、神話の持つ普遍性や原型的なイメージを抽象的な形態へと昇華させ、視覚的な記号として表現しようとする意図が込められています。この作品において、混沌とした色彩や力強い筆致は、古代から続く人間の営み、生と死、創造と破壊といった壮大なテーマを象徴していると解釈できます。見る者は、具体的な物語を追うのではなく、作品全体から放たれるエネルギーや感情のうねりを通して、個々の内面に潜む「神話」的な感覚を呼び起こされるのではないでしょうか。
阿部展也は、戦後の日本美術における抽象表現の確立に貢献した重要な画家として評価されています。彼の作品は、当時の日本美術が、戦前の抑圧的な状況から解放され、国際的な潮流と結びつきながら新たな表現を模索していた時代性をよく示しています。特に「神話A」のような作品は、具体的な形を排し、色彩と筆致のみで精神的な深淵を表現しようとする試みが、当時の美術界に大きな影響を与えました。彼の作品は、戦後の美術におけるシュルレアリスムから抽象表現主義への移行期を代表するものとして位置づけられ、後進の画家たちにも抽象絵画の可能性を示すインスピレーションとなりました。現代においても、阿部展也の作品は、人間の根源的な感情や普遍的なテーマを追求するその姿勢が高く評価されており、日本美術史における彼の貢献は揺るぎないものとなっています。