20世紀を代表する陶芸家ルーシー・リー（1902-1995）の、国内では約10年ぶりとなる大規模な回顧展「ルーシー・リー展―東西をつなぐ優美のうつわ―」が、東京都庭園美術館にて開催されます。オーストリアのウィーンに生まれ、1938年にイギリスへ移住して創作活動を続けたリーは、その生涯を通して、ろくろから生み出される洗練されたフォルム、象嵌（ぞうがん）や掻（か）き落としといった繊細な装飾、そして豊かな色彩を湛（たた）える釉薬（ゆうやく）表現によって、国際的な評価を確立しました。本展では、国立工芸館（金沢）に寄託されている貴重な井内コレクションをはじめ、国内に所蔵される多数のルーシー・リー作品が一堂に会し、その創作の軌跡を初期から円熟期まで包括的に辿（たど）ります。また、ウィーン時代に出会ったヨーゼフ・ホフマン、イギリスで交流を深めたバーナード・リーチ、ハンス・コパー、そして濱田庄司（はまだしょうじ）といった、リーの芸術に影響を与え、あるいは共に歩んだ重要な陶芸家たちの作品も合わせて展示されることで、彼女の造形の源泉や作品に込められた信念に多角的に迫る試みとなっています。
本展覧会の最大の注目ポイントは、ルーシー・リーという一人の女性陶芸家が、激動の20世紀を生き抜きながら、伝統的な陶芸の枠を超え、いかにして唯一無二の現代的な美意識を確立したかを、その代表作を通じて深く理解できる点にあります。ウィーン工房に連なるモダニズムの洗練された感覚と、イギリスに亡命後に出会った東洋の陶芸思想、さらに戦時下の困難な状況で培われた実用性と革新性が、リーの作品に独創的な融合を果たしました。彼女の作品は、食器としての機能性と、オブジェとしての彫刻的な美しさを兼ね備え、静謐（せいひつ）でありながら力強い存在感を放っています。
特に見逃せないのは、その形態の多様性と、釉薬（ゆうやく）表現の妙（たえ）です。シンプルながらも計算され尽くしたフォルムは、ときにミニマルアートにも通じる普遍性を持ち、一方で、火山の噴火口を思わせるような「マンガン釉（ゆう）」のざらつきや、器面を削り取ることで生まれるストライプや格子文様といった繊細なテクスチャーは、見る者を飽きさせません。また、本展では、国立工芸館に寄託された井内コレクションを中心に、日本国内に所蔵される貴重な作品群が一堂に展示されるため、これまでまとまって鑑賞する機会の少なかったリーの代表作を、その制作の変遷とともに追うことができます。
さらに、リーの芸術形成に決定的な影響を与えた、あるいは共に刺激し合った同時代の作家たちの作品が同時に展示されることで、彼女の作品が持つ歴史的意義や国際的な交流の広がりを肌で感じられるでしょう。ヨーゼフ・ホフマンからのウィーン分離派の影響、バーナード・リーチから学んだ東洋的な陶芸思想と制作への誠実な姿勢、ハンス・コパーとの緊密な協働、そして濱田庄司との精神的な交流は、リーの作品に深みと広がりを与えました。これらの作品をリーの作品と並べて鑑賞することで、個々の作品が持つ魅力だけでなく、20世紀の陶芸史における彼女の位置付け、そして東西の文化が融合することで生まれた新たな美の地平を、より深く考察する機会となるはずです。本展は、ルーシー・リーの創造性の全貌を明らかにし、その優美なうつわが現代にもたらす普遍的なメッセージを再認識させる、貴重な体験となるでしょう。
本展覧会は、ルーシー・リーの生涯と創作活動を包括的に辿（たど）るよう、年代順かつテーマ別に構成されており、来場者は彼女の芸術の萌芽（ほうが）から円熟期に至るまでの変遷を、あたかも旅をするかのように鑑賞できます。ウィーンでの初期の学びと実験、ナチス・ドイツからの亡命という人生の転換点、そしてロンドンでの新たな制作環境と、そこから生まれた独自の様式の確立、さらに同時代の陶芸家たちとの交流を通じて作品が深化していく過程が、各章で丁寧に紹介されています。これにより、リーの作品が単なる美しい器に留まらず、彼女自身の人生哲学や、時代背景を反映したものであることが伝わる構成となっています。
展覧会の導入を飾るこの章では、ルーシー・リーの芸術家としての原点である、故郷ウィーンでの活動に焦点が当てられます。1902年にウィーンに生まれたリーは、国立工芸学校で学んだ後、自身の工房を設立し、早くもその才能を開花させます。この時代の彼女の作品には、当時ウィーンを席巻していたウィーン分離派やウィーン工房の美意識が色濃く反映されています。特に、ウィーン工房の創設者の一人であり、リーが深く敬愛したヨーゼフ・ホフマンの影響は顕著です。ホフマンが提唱した機能性と装飾性の融合、直線的で幾何学的なフォルム、そして素材の持つ特性を最大限に引き出すデザイン哲学は、リーの初期作品に明確に見て取れます。
この章では、リーがウィーン時代に制作した器やオブジェが展示され、その後の彼女の作品の骨格となる造形の原則がどのように培われたかを探ります。例えば、初期の作品には、洗練された都市的な感覚と、すでに彼女特有のシンプルな造形への志向が見られます。精巧なろくろ技術と、抑制された装飾の中に光るモダンな感覚が特徴であり、ウィーンの芸術的な土壌が彼女の感性をいかに育んだかを物語っています。この時期の作品は、洗練されたテーブルウェアや花器が中心で、機能美と芸術性を両立させようとするリーの初期からの探求がうかがえます。ウィーンでの制作は、リーが後に国際的な陶芸家として大成するための確固たる基礎を築いた、極めて重要な時期であったと言えるでしょう。
続くこの章では、ルーシー・リーの人生における大きな転換点、すなわち1938年のナチスの台頭によるイギリスへの亡命と、ロンドンでの新たな創作活動に焦点を当てます。ウィーンでの成功を収めていたリーは、ユダヤ系であったため、迫り来る戦争の脅威から逃れるべく故郷を離れることを余儀なくされました。この亡命は、彼女の生活環境だけでなく、作品制作にも大きな変化をもたらしました。
ロンドンに到着したリーは、当初、ボタン製造で生計を立てながら、限られた設備と材料の中で陶芸の制作を続けます。この戦時下の厳しい状況が、かえって彼女の創造性を刺激し、新たな素材や技法への探求心を駆り立てました。手に入りにくい材料を工夫し、独自の釉薬（ゆうやく）開発に力を入れたことで、後にリーの代名詞となる「マンガン釉（ゆう）」や、表面を掻（か）き落とす「掻き落とし」の技法がこの時期に萌芽（ほうが）しました。
この章で展示される作品群は、ウィーン時代の洗練された都市的な感覚に加え、より素朴で力強い表現が加わった、過渡期の作風を示しています。戦時中の資源不足の中で、彼女はより実用的で耐久性のある陶器の制作にも取り組み、食器としての機能美と、その中にも潜む彫刻的な美しさを追求しました。また、ロンドンでは、バーナード・リーチをはじめとするイギリスのスタジオポタリー運動の陶芸家たちとの出会いがあり、これはリーの芸術観に新たな視点をもたらすことになります。この章は、逆境の中でリーがいかに自身のスタイルを確立し始めたかを示す、感動的なパートとなるでしょう。
この章は、ルーシー・リーの作品が最も特徴的なスタイルを確立し、国際的な評価を不動のものとした時期の作品群で構成されます。ロンドンでの制作基盤を確立し、戦後の比較的安定した環境の中で、リーはろくろから生まれるフォルムと、釉薬（ゆうやく）による表面表現、そして象嵌（ぞうがん）や掻（か）き落としといった装飾技法をさらに深化させました。彼女の作品は、シンプルでありながらも、内側から溢れ出すような生命感と、見る者を惹きつける静謐（せいひつ）な美しさを備えるに至ります。
リーの作品を特徴づける要素としてまず挙げられるのが、そのろくろ技術です。極限まで薄く挽（ひ）かれた器壁は、光を透過させるような繊細さを持ち、同時に、器全体が持つプロポーションの完璧なバランスと相まって、他に類を見ない優雅さを生み出しています。また、器の口縁（こうえん）や高台（こうだい）といった細部に至るまで、徹底した美意識が貫かれており、それが作品全体の完成度を高めています。
この章では、リーの代名詞とも言える「マンガン釉（ゆう）」による作品が多数展示されます。深い茶褐色から黒に近い色合いを持つマンガン釉は、焼成（しょうせい）によって表面に独特のざらつきや、ときに銀色の光沢を生み出し、まるで大地のような力強い表情を見せます。その一方で、器の表面に細い線を刻み込み、異なる色の粘土や釉薬を象嵌したり、特定の模様を掻き落とすことで、ストライプや幾何学的な文様が浮き立つような装飾も施されました。これらの繊細な装飾は、器のシンプルさに奥行きを与え、モダンなデザインでありながらも、どこか東洋的な精神性を感じさせます。
さらに、リーは「火山釉（かざんゆう）」や「金色釉（きんしょくゆう）」など、多様な釉薬（ゆうやく）表現にも挑戦しました。これらの釉薬は、焼成時の窯（かま）の状況によって予測不可能な変化を見せ、二つとして同じ表情を持つことのない、偶発的な美しさを生み出しました。これらの作品は、リーがいかに素材の持つ可能性を深く探求し、自らの技術と感性を通じて、陶器に新たな生命を吹き込んだかを雄弁に物語っています。この章は、ルーシー・リーの芸術が最も輝きを放った、まさに「リー様式」が確立された時期の傑作群を堪能できる、展覧会のハイライトと言えるでしょう。
本章では、ルーシー・リーがその芸術活動の中で築き上げた、同時代の重要な陶芸家たちとの交流と、それが作品に与えた影響に焦点を当てます。ウィーンでのモダニズムの基盤に、イギリスでの新たな出会いが加わることで、リーの芸術はさらなる深みと広がりを見せました。
イギリスに亡命後、リーは「英国スタジオポタリー運動」の中心人物であったバーナード・リーチ（Bernard Leach）と出会います。リーチは、東洋の陶芸、特に日本の民藝（みんげい）運動から多大な影響を受け、実用性と美しさを兼ね備えた手仕事の陶器の復興を目指していました。リーとリーチの作品は、一見すると対照的に見えるかもしれません。リーチが伝統的な技法や東洋的なフォルムを重んじたのに対し、リーはよりモダンで洗練されたフォルムを追求しました。しかし、両者には共通の哲学がありました。それは、素材への深い理解、手仕事の尊さ、そして日常の器の中に芸術性を見出すという点です。リーチとの交流は、リーに東洋的な陶芸の精神性、特に日本の「用の美」の概念に触れる機会を与え、彼女の作品の持つ静謐（せいひつ）さや、簡潔さの中の豊かさといった側面に影響を与えたと考えられます。
また、リーの創作活動において、最も緊密な協働者であり、精神的な支えでもあったのが、同じく亡命陶芸家であるハンス・コパー（Hans Coper）です。リーのロンドンの工房でコパーは陶芸を学び、二人は長年にわたり共同で制作を行いました。コパーは、リーとは異なる、より彫刻的で抽象的な形態の作品を得意とし、その作風はリーの作品に新たな刺激を与えました。この章では、リーとコパーが互いに影響を与え合いながら制作した期間の作品、あるいは両者の作品を並置することで、それぞれの個性がどのように共鳴し、深化していったかを視覚的に理解することができます。彼らの関係は単なる師弟関係にとどまらず、互いの創造性を高め合うパートナーシップであったと言えるでしょう。
さらに、日本を代表する民藝（みんげい）運動の指導者の一人である濱田庄司（はまだしょうじ）との交流も、リーの芸術に重要な意味を持ちました。直接的な師弟関係や共同制作こそありませんでしたが、濱田の提唱する「用の美」の哲学や、職人としての誠実な手仕事への姿勢は、リーの作品に内在する美意識と深く共鳴しました。この章では、これらの作家たちの作品をリーの作品とともに展示することで、20世紀の陶芸界における国際的なネットワークと、東西の文化がどのように交差し、互いに影響を与え合ったかを示す貴重な機会となります。リーがどのようにして、ウィーンのモダニズムと英国のスタジオポタリー、そして東洋の精神性を融合させたのか、その「東西をつなぐ優美」の秘密に迫る重要な章です。
展覧会の最終章となるこのパートでは、ルーシー・リーがその晩年に至って到達した、芸術的円熟期の作品群が紹介されます。長いキャリアの中で培われた技術と経験、そして揺るぎない美意識が結実し、彼女の作品はさらなる深みと洗練を極めました。この時期の作品は、これまでの探求の集大成とも言えるものであり、色彩の豊かさと造形の普遍性が際立っています。
円熟期のリーは、そのシンプルなフォルムに、より大胆で鮮やかな色彩の釉薬（ゆうやく）を用いるようになりました。これまでのマンガン釉（ゆう）による渋（しぶ）い表現に加え、明るいレモンイエローや鮮やかなブルー、ピンク、グリーンといった釉薬が器面に施され、作品に新たな生命感を吹き込みます。これらの釉薬は、単に色を塗るのではなく、リー特有の掻（か）き落としや象嵌（ぞうがん）の技法と組み合わせることで、複雑なグラデーションやテクスチャーを生み出し、見る角度によって異なる表情を見せます。特に、釉薬を厚く施した部分が溶けて流れ落ちることで生まれる、偶発的でありながらも計算され尽くしたような美しさは、彼女が長年培ってきた窯（かま）との対話の賜物（たまもの）と言えるでしょう。
また、この時期の作品には、一見するとシンプルな花器や鉢に見えながらも、器の内側と外側、あるいは口縁（こうえん）のわずかなカーブにまで、徹底した美意識と機能性への配慮が凝縮されています。それは、器が置かれる空間との調和、そして器の中に何を盛るか、何を活（い）けるかといった、日常の中での「用」の文脈を深く見据えた上での造形です。作品は、もはや単なる器ではなく、それ自体が自律した彫刻作品としての存在感を放っています。
この章では、リーが晩年に至るまで、飽くなき探求心と遊び心を失わず、常に新しい表現の可能性を追求し続けた姿勢が垣間見えます。精緻な技術と豊かな感性が融合し、静謐（せいひつ）でありながらも力強い、そしてどこかユーモラスな表情を持つ作品群は、鑑賞者に深い感動を与えます。ルーシー・リーの芸術が、いかにして時代を超え、国境を越えて人々の心を捉える普遍的な美として確立されたのか、その究極の姿がこの章で示されることでしょう。
「ルーシー・リー展―東西をつなぐ優美のうつわ―」は、20世紀の陶芸史において特異な輝きを放つルーシー・リーの、その多岐にわたる創作活動と深遠な芸術世界を、多角的に探求する貴重な機会を提供します。ウィーン分離派の洗練されたモダニズムをその出発点とし、ナチスの迫害を逃れてロンドンへと渡り、そこで英国スタジオポタリー運動の陶芸家たちとの交流を通じて、自身の様式を確立していったリーの生涯は、まさに激動の時代を映し出す鏡であり、その中で生み出された作品群は、人間精神の強靭（きょうじん）さと創造性の豊かさを物語っています。
本展を通じて、来場者はリーが追求した「優美」の真髄に触れることができるでしょう。それは、ろくろから生まれる完璧なフォルム、マンガン釉（ゆう）や掻（か）き落とし、象嵌（ぞうがん）といった繊細な技法によって表現される質感、そして色彩豊かな釉薬（ゆうやく）が織りなすハーモニーの中に宿る美しさです。それぞれの作品は、実用性と芸術性を高次元で融合させながら、見る者に静かな感動と深い思索を促します。
また、ヨーゼフ・ホフマン、バーナード・リーチ、ハンス・コパー、濱田庄司（はまだしょうじ）といった、リーの作品に影響を与え、あるいは共に歩んだ陶芸家たちの作品が併せて展示されることで、彼女の芸術が持つ国際的な広がりと、東西の文化が交錯する中で生まれた新たな価値を実感できる点も、本展の重要な意義です。リーの作品は、特定の文化や地域に限定されることなく、普遍的な美意識を体現しており、現代の多様な価値観が共存する社会においても、新たなインスピレーションを与え続けています。
この回顧展は、単に一人の陶芸家の作品を展示するに留まらず、20世紀という時代の中で、美術と工芸がどのように変遷し、融合していったのか、そして一人のアーティストがいかにして逆境を乗り越え、自己の表現を貫いたのかという、深遠な問いを投げかけています。ルーシー・リーの「優美のうつわ」は、単なる器ではなく、彼女の人生、思想、そして時代精神を内包する、生きた芸術作品として、今もなお私たちに語りかけています。この展覧会が、多くの人々にとって、ルーシー・リーの不朽の魅力を再発見し、陶芸という芸術形式の奥深さを改めて認識する、記憶に残る機会となることを願ってやみません。