横浜美術館にて開催中の「没後110年 日本画の革命児 今村紫紅」展は、明治末から大正初期にかけてわずか35年の生涯を駆け抜け、日本画壇に鮮烈な軌跡を残した今村紫紅（いまむら しこう）の画業を、約42年ぶりとなる大規模な回顧展として紹介するものです。公立美術館では初となる本展は、紫紅の全体像に迫る決定版として、国指定重要文化財を含む代表作の数々や、これまで未公開であった約40点にも及ぶ個人コレクション作品など、約180点から200点に及ぶ精選された作品群を通じて、その革新的な創作の軌跡を四章構成で深く掘り下げます。
本展の最大の注目ポイントは、今村紫紅という画家の、時代を先駆ける革新性と、その探求に生涯を捧げた短くも濃密な芸術家人生にあります。紫紅は、平安時代から続く伝統的なやまと絵を基礎としながらも、若くして歴史画において比類なき技量を発揮し、やがて伝統の枠に留まらない日本画の革新を志しました。彼は、琳派の俵屋宗達（たわらや そうたつ）の自由闊達な表現に刺激を受け、さらに中国の江南地方の絵画に影響を受けて栄えた南画、そして西欧の印象派やポスト印象派といった新たな表現様式をも貪欲に取り入れ、特に風景画において強烈な個性を確立しました。その作品は、《熱国之巻（ねっこくのまき）》や《近江八景》といった国指定重要文化財にも代表されるように、思い切った筆づかいと大胆な構図、そして鮮やかな色彩が特徴です。
本展が約42年ぶりに開催される大規模回顧展であり、公立美術館では初めての開催となることは、紫紅の画業を包括的に検証する貴重な機会であると言えます。これまで限られた機会でしか紹介されることのなかった個人所蔵作品が多数初公開される点も、紫紅の芸術に対する試行錯誤の軌跡をより深く理解するために不可欠な要素となっています。夭折の天才という枠に留まらない、彼の実像と日本画の可能性を広げた真の姿に迫ることができるでしょう。
本展は、今村紫紅の35年という短い生涯における創作の変遷を、四つの章を通じて辿ります。各章のタイトルには、紫紅自身の言葉が用いられており、彼の豪胆で理論的な人柄、そして芸術に対する真摯な姿勢が色濃く反映されています。鑑賞者は、横浜の提灯問屋に生まれた少年が、いかにして伝統を学び、それを超克し、最終的に「日本画の革命児」と呼ばれるに至ったか、その激動の道のりを時系列で追体験することができます。
会場は、まず導入部に各章の概要を代表作とともに展示する「展覧会のダイジェスト版のような一室」が設けられており、鑑賞者が紫紅の全体像を把握してから、それぞれのペースで作品と向き合える「やさしい展覧会」を目指したと、担当学芸員は説明しています。この構成によって、紫紅の芸術家としての成長と、時代ごとの表現の変化が、より明確に浮かび上がってくることでしょう。
今村紫紅は、明治13年（1880年）に横浜の提灯問屋の三男として生を受けました。幼少期には、横浜という国際的な港町ならではの環境で、洋画家・山田馬介（やまだ ばすけ）からターナー風の水彩画を学んだ経験も持っています。この初期の洋画学習は、後の紫紅の柔軟な表現へと繋がる萌芽であったと言えるでしょう。
明治30年（1897年）、17歳で上京した紫紅は、日本画の大家である松本楓湖（まつもと ふうこ）に兄・興宗（こうそう）と共に師事しました。楓湖の門下生として、彼は古典的な画題や筆法を習うための手本である粉本（ふんぽん）を徹底的に模写し、郊外での写生にも勤しみながら、本格的な日本画の修行に邁進しました。松本楓湖の画塾「安雅堂画塾」での厳しい指導は、紫紅に確かなデッサン力と描写力を培わせる礎となりました。
ほどなくして、創立間もない日本美術院の展覧会で賞を得るなど、紫紅は歴史画の分野で頭角を現します。明治33年（1900年）には、生涯の友となる安田靫彦（やすだ ゆきひこ）らと共に「紫紅会」という研究会に参加し、後に会名を「紅児会（こうじかい）」と改称し、日本画の新しい表現を模索する中心的画家として活動しました。この時期の紫紅は、古典を深く学び、「古画のよい処を分解して、その後を追え！」という自身の言葉が示す通り、伝統的な歴史画の技法を習得しつつ、その中で新たな可能性を探る青年期の模索を続けていました。例えば、デビュー間もない明治32年（1899年）頃の作品では、国宝である12世紀の『伴大納言絵詞（とものだいなごんえことば）』を忠実に模写した作品が見られ、早くも高い描写力を示しています。この模写を通じて、紫紅は古画から色彩や様式化を学んでいたと考えられます。
この章では、今村紫紅が画業の幅を広げ、「多方面に」描くことへと向かう転換期が描かれます。日本美術院の有望な若手メンバーとなった紫紅は、創立者である岡倉天心（おかくら てんしん）の教え、そして先輩画家である横山大観（よこやま たいかん）、下村観山（しもむら かんざん）、菱田春草（ひしだ しゅんそう）らの制作姿勢から大きな刺激を受けました。特に、明治40年（1907年）に茨城県五浦（いづら）の日本美術院研究所を訪問した際、天心から「古人では誰が好きか」と問われ、「宗達（そうたつ）です」と即答したことで、天心にその才能を認められたというエピソードは、紫紅の美意識の根幹を象徴しています。
紫紅は、いち早く俵屋宗達（たわらや そうたつ）をはじめとする琳派（りんぱ）や、中国明清時代の古画にも着目し、自身の創作の幅を大きく広げていきました。琳派の様式は、日本の古典的装飾性を重視しながらも、自由闊達な筆致と大胆な画面構成が特徴であり、紫紅の革新を求める精神と共鳴しました。特に宗達の代表作である『風神雷神図屏風』のようなモチーフに繰り返し挑んだことは、琳派への深い傾倒を示しています。また、宗達や尾形光琳（おがた こうりん）が取り上げた『伊勢物語』の主題も、紫紅は独自の解釈で新たに描き出しています。
この時期の重要な出来事として、横浜の実業家である原三溪（はら さんけい）との出会いが挙げられます。紫紅が文展に出品した作品《護花鈴（ごかりん）》（明治44年、1911年）が、桃山文化に傾倒していた三溪の目に留まり、三溪による経済的な支援が決定しました。この力強い援助を得て生活が安定した紫紅は、安田靫彦（やすだ ゆきひこ）と共に小田原へ転居し、古画の本質を見極めながら、歴史画、風俗画、肖像画、そして山水画など、さまざまな主題に「多方面に」取り組むことで、その才能を開花させていきました。
この章では、今村紫紅が日本画の慣例にとらわれず、自身の芸術における「自由」と「新」を追求する、さらなる大胆な挑戦の軌跡が示されます。三溪の支援を得て発表された《近江八景》（大正元年、1912年）は、紫紅の画業における大きな転機となる作品です。古来より名所絵に描かれてきた琵琶湖周辺を旅し、写生に基づいて描かれたこの風景画は、明快な色彩と斬新な構図が特徴であり、古典的な風景画の慣例に囚われない、のびのびとした紫紅の心境が表れています。この作品には、西洋絵画からの影響も色濃く出ており、まさに新しい日本画の萌芽と言えるでしょう。
《近江八景》発表の翌々年、紫紅は病後にもかかわらず、さらに新境地を求めインドへと旅立ちます。道中で見た光景を絵巻に描いた《熱国之巻》（大正3年、1914年）は、日本画のジャンルに収まらない「問題作」として、当時の画壇に大きな賛否を巻き起こしました。この作品は、ヤシの木が連なる南国特有の雰囲気とリズムを大胆な筆致と鮮やかな色彩で表現し、異国の風景を通して紫紅自身の「自由」と「新」への飽くなき探求心を示しています。この時期の紫紅は、「芸術の『自由』や『新』は他者の中ではなく『我にあり』」と語ったとされ、その言葉通り、既成概念にとらわれずに自らの表現を追求する果敢な姿勢が見て取れます。大胆な構図や、南画的でありながらも明るい色彩感覚には、西欧の印象派などの影響も指摘されています。
最後の章では、今村紫紅が再興日本美術院の中心的存在として、後輩たちを導きながら、理想の日本画を追求した晩年の画業が展開されます。大正3年（1914年）に岡倉天心が逝去した後、横山大観、下村観山、木村武山、安田靫彦らと共に日本美術院を再興した紫紅は、後輩たちが生活に困ることなく、自由闊達（かったつ）に、描きたい絵を追求できる環境、すなわち「暢気（ノンキ）に描け」る環境こそが芸術の理想であると考えました。速水御舟（はやみ ぎょしゅう）や中村岳陵（なかむら がくりょう）らを率いて結成された研究会「赤曜会（せきようかい）」は、まさにその理想を実践する場であったと言えるでしょう。紫紅は、若手画家たちに「一度突き詰めたら壊さないと駄目。壊せば誰かが作ってくれる。僕は壊すから君たちは建設してくれたまえ」と語ったと伝えられており、その言葉は彼の革新者としての本質をよく表しています。
一方で、紫紅自身は、当時「古臭いもの」と見なされ排斥されがちであった江戸時代の南画を再評価し、「新南画（しんなんが）」とも言うべき独自の作風を展開していました。彼は池大雅（いけの たいが）や富岡鉄斎（とみおか てっさい）といった文人画家の生気あふれる絵に新たな価値を見出し、彼らが学んだ中国の明清絵画の研究にも打ち込みました。南画に見られる柔らかな線や点描を、やまと絵の伝統と融合させ、紫紅独自のスタイルを確立しました。また、この時期の作品には、同時代の西洋絵画、特にゴーギャンなどのポスト印象派の影響もうかがえ、伝統と革新の融合に対する紫紅の尽きることのない意欲が示されています。
《南風》（大正4年、1915年）や《桃源》（大正5年、1916年）などの作品は、この晩年の画境の深まりを示すもので、老成すら感じさせるような境地に達していました。構図、主題、色彩の全てにおいて自由な日本画への改革を生涯の命題とした紫紅は、35歳で夭折するまで、常に新しい表現を模索し続けた真の革命児であったと言えるでしょう。横浜美術館が所蔵する《潮見坂》（大正4年、1915年）もこの時期の作品であり、くねくねと続く坂道や青々とした木々、畑を描写することで、鑑賞者にその場にいるかのような感覚を呼び起こさせます。この作品にみられる伸びやかな筆遣いと西洋画を思わせる明るい配色には、柔軟で大らかな彼の性格が大いに反映されています。
「没後110年 日本画の革命児 今村紫紅」展は、明治から大正にかけて、わずか35年の生涯を駆け抜けながらも、日本画の表現の可能性を大きく広げた今村紫紅の、まさに「革命児」たる所以を深く、そして多角的に検証する稀有な機会です。伝統的なやまと絵に端を発し、歴史画で頭角を現しながらも、琳派、南画、そして西洋絵画の要素をも果敢に取り入れ、独自の風景画様式を確立した紫紅の創作の軌跡は、まさに日本美術史における革新の物語そのものです。
本展は、約42年ぶりに開催される大規模な回顧展であるとともに、公立美術館では初めての開催という点においても、極めて高い意義を持ちます。初公開作品を含む約180点から200点もの作品が一堂に会するこの機会は、夭折の天才という既存のイメージを超え、一人の人間として、また芸術家として、絶えず問い続け、挑戦し続けた今村紫紅の真の姿に迫る感動的な体験となることでしょう。横浜美術館が満を持して開催するこの展覧会は、日本画の新たな地平を切り拓いた紫紅の尽きない魅力と、その遺した偉大な功績を再認識する、またとない機会を提供します。ぜひ会場に足をお運びいただき、今村紫紅が日本画にもたらした鮮烈な革新の精神を、その目で直接感じ取ってください。