今村紫紅
横浜美術館で開催される「没後110年 日本画の革命児 今村紫紅」展では、明治から大正にかけて日本画の近代化に挑んだ今村紫紅（いまむらしこう）の初期の代表作の一つ《笛》が展示されます。本作は、1900年頃に制作された絹本着色（けんぽんちゃくしょく）の軸装作品で、画家が伝統的な日本画の基礎を固めていた時期の表現を伝える貴重な一点です。
今村紫紅は1880年に横浜に生まれ、17歳で歴史画の大家である松本楓湖（まつもとふうこ）に入門し、本格的に日本画の修行を始めました。この時期、紫紅は古画の粉本（ふんぽん）を徹底的に模写し、また写生にも努めることで、伝統的な大和絵（やまとえ）の技法を深く学びました。 《笛》は、紫紅が20歳頃の1900年頃に制作されたとされており、これは彼が安田靫彦（やすだゆきひこ）らと共に「紫紅会」（のち「紅児会」と改称）を結成し、主に歴史人物画の研究を進めていた初期の活動期にあたります。この頃の紫紅は、伝統的な歴史画の枠内で、いかに新しい表現を開拓するかを模索していました。本作における具体的な制作意図は詳らかではありませんが、伝統的なモチーフを通じて、穏やかで抒情的な世界観を探求していたものと推測されます。
《笛》は、絹を支持体とし、岩絵具（いわえのぐ）による彩色で描かれた日本画の軸作品です。絹本（けんぽん）は、その滑らかな表面が繊細な筆致や色彩の表現に適しており、特に人物画や細密描写において用いられることが多い素材です。制作された1900年頃は、紫紅が松本楓湖のもとで伝統的な日本画の基礎を徹底的に学んでいた時期であり、本作においても、伝統的な岩絵具を膠（にかわ）で溶いて使用する日本画の古典的な技法が用いられていると考えられます。その色彩は、初期の作品としては比較的落ち着いた色調が用いられ、堅実な描写力を基盤としつつも、後の作品に見られるような大胆な色彩や構図への萌芽が感じられる可能性があります。
作品名である「笛」は、日本の伝統文化において多様な象徴的意味を持ちます。古くから笛の音は、静寂な夜に響き渡り、人々の心を慰めたり、郷愁を誘ったりする役割を担ってきました。また、源平合戦における平敦盛（たいらのあつもり）と熊谷直実（くまがいなおざね）の故事「青葉の笛」のように、武士の無常観や人生の儚さを象徴するモチーフとしても用いられてきました。具体的な描写は不明であるものの、本作が描かれた明治時代初期は、西洋文化の流入により伝統的な価値観が揺らぐ中で、日本固有の美意識や精神性を再確認しようとする動きも見られました。こうした時代背景において、「笛」というモチーフは、静謐な内省や、失われゆくものへの郷愁、あるいは未来への微かな希望を表現しようとする試みであったと解釈することもできるでしょう。
今村紫紅は、35歳という短い生涯の中で、日本画に革新をもたらした「革命児」として後世に大きな影響を与えました。彼の初期の作品である《笛》は、後の「熱国之巻（ねっこくのまき）」や「近江八景（おうみはっけい）」といった代表作に見られるような、大胆な構図や鮮やかな色彩、西洋絵画の影響を感じさせる表現とは異なる、伝統に根差した堅実な表現が特徴とされます。 しかし、この初期の修練と探求があったからこそ、紫紅は伝統を理解し、それを乗り越えるための独自の画風を確立できたと言えるでしょう。彼は、安田靫彦や速水御舟（はやみぎょしゅう）といった後進の画家たちにとって、日本画の新しい可能性を示すリーダー的存在でした。《笛》のような初期の作品は、彼が日本画の伝統を深く学び、その上で自身の表現を模索し始めた、その芸術的旅路の起点を示すものとして、現代においても重要な評価を受けています。