Andrew Wyeth
東京都美術館開館100周年記念「アンドリュー・ワイエス展」で紹介されるアンドリュー・ワイエスの作品「干し草づくり」は、1961年に水彩、紙に描かれた作品です。48.2 × 60.9センチメートルの画面には、アメリカの地方に息づく日常の一場面が、画家の鋭い観察眼と卓越した技法によって静かに描き出されています。
アンドリュー・ワイエスは、生涯にわたり故郷であるペンシルベニア州チャッズ・フォードと、夏季を過ごすメイン州クッシングの風景や人々を描き続けました。彼は、移り変わる美術界の動向、特に抽象表現主義やポップアートといった前衛的な潮流からは距離を置き、身近な世界を精緻に描くことを追求しました。1961年に制作された「干し草づくり」は、彼のこうした姿勢を象徴する作品の一つと考えられます。ワイエスは、描く対象が同じであっても、そこから生まれる「啓示」は常に異なると語っており、目の前の景色や人物、事物が、彼自身の視点と情感を通して初めて描かれるべき対象となると捉えていました。この作品もまた、アメリカの風土や、そこに生きる人々の営み、そして自然の循環が持つ本質的な意味を深く探求しようとする画家の意図が込められていると推測されます。父の死（1945年）以降、彼の作品にはより内省的で深みのある表現が見られるようになり、「干し草づくり」もまた、単なる写実を超えた、郷愁や詩情を帯びた世界観を反映していると考えられます。
この作品は、水彩、紙という素材を用いて制作されました。ワイエスは、油絵具の重々しい質感よりも、水彩の軽やかさと自由さを好み、生涯にわたって水彩画家であり続けました。彼が特に得意としたのが「ドライブラッシュ」と呼ばれる技法です。これは、絵具を含んだ筆からほとんど水分を絞り出し、乾いた状態で紙に擦り付けるように描くことで、独特の重厚な質感や織物のような緻密な肌合いを生み出すものです。ワイエスはこの技法によって、対象の細部を描き出すだけでなく、画面の中に「風、音、大気さえも感じられる」ような表現を追求しました。半透明の絵具を何度も薄く塗り重ねる忍耐を要するこの技法は、画家の対象に対する深い感情を直接的に投影する手段であったと推測されます。
「干し草づくり」というモチーフは、農作業という人間と大地との根源的なつながり、そして自然の営みや季節の移ろいを象徴しています。ワイエスの作品は、しばしば孤独や郷愁、静謐（せいひつ）さを感じさせる詩情豊かな世界を描き出し、アメリカの片田舎に暮らす人々の日常や、そこに流れる時間を捉えることを主題としました。この作品も、移り変わることのない労働の尊厳や、土地に根差した生活の美しさ、あるいは厳しさを内包していると考えられます。ワイエスは、物語や文学的な内容を説明することには関心がなく、むしろ「より幅広い人間性や死の運命を見つめている人間の姿」を描こうとしました。したがって「干し草づくり」は、単に干し草を作る風景を描いたものではなく、その背景にある人間の営みや、自然が持つ普遍的な意味、そして何気ない日常の中に潜む崇高なものを表現しようとした画家の視線が込められていると解釈されます。彼は、作品を通して「アメリカとは何か」を示し、困難な状況を乗り越える人々の姿を描きたかったと語っています。
アンドリュー・ワイエスは、20世紀のアメリカ美術において、アメリカン・リアリズムやリージョナリズム（地方主義）を代表する画家として高く評価されています。彼の作品は、卓越したデッサン力と独自の技法によって、写実表現の系譜に大きな位置を占めています。同時代のアートの潮流とは一線を画した彼のスタイルは、時に「特異な画家」と評されることもありましたが、その詩情あふれる世界観はアメリカ国内で国民的画家として広く愛され、芸術勲章「ナショナル・メダル・オブ・アーツ」を授与されるなど、数々の栄誉に輝きました。日本でも、1974年の回顧展以降、彼の作品は爆発的な人気を集め、メランコリックな詩情や内包する精神的な雰囲気が「もののあわれ」に通じるとも評され、多くのアート愛好家を魅了しています。ワイエスの芸術は、自然への深い愛着と内省的な視点から、哲学者ヘンリー・デイヴィッド・ソローの思想にも通じるものがあると指摘されており、その反文明的で東洋的な思想背景が、現代社会における彼の再評価につながっていると考えられます。