河鍋暁斎
ゴールドマン コレクション 河鍋暁斎（かわなべ きょうさい）の世界展に展示されている河鍋暁斎（かわなべ きょうさい）の「七福神有閑之図（しちふくじんゆうかんのず）」は、明治4年から22年（1871年から89年）にかけて制作された、一面の作品です。日本の伝統的な吉祥の神々である七福神が、ゆったりと過ごす姿をユーモラスかつ人間味豊かに描いたもので、作者の卓越した筆致と豊かな想像力がうかがえる一作です。
河鍋暁斎は幕末から明治にかけて活躍した絵師であり、激動の時代において伝統的な日本画の技法を受け継ぎながらも、常に新しい表現を追求しました。本作が制作された明治初期から中期は、文明開化の波が押し寄せ、社会の価値観や人々の生活様式が大きく変化していた時期です。そうした中で、暁斎は伝統的な題材である七福神に「有閑」という現代的な視点を取り入れ、世の中の変遷とともに人々が求めたであろう心の安らぎや、穏やかな生活への願望を表現しようとしたと推測されます。また、この時代は浮世絵から肉筆画へと制作の中心が移行しつつあった時期でもあり、暁斎の確かな画力と、多岐にわたる表現力が存分に発揮されています。彼は単なる吉祥画としてではなく、見る者が親しみや共感を覚えるような人間味あふれる七福神像を描くことで、伝統的な主題に新たな息吹を吹き込もうとしたと考えられます。
「七福神有閑之図」には、日本画の伝統的な絵の具と筆が用いられていると推測されます。暁斎は、狩野派で培った骨太な筆線と、浮世絵で得た洒脱な表現、そして西洋画の写実的な描写力を融合させた独自の画風を確立していました。本作においても、その多様な技法が複合的に用いられていると考えられます。墨の濃淡を巧みに使い分け、七福神それぞれの表情や衣の質感を繊細に描き分けているでしょう。また、鮮やかな色彩が施され、神々の個性や福々しい雰囲気を際立たせています。特に、人物の表情や仕草には、暁斎ならではの観察眼とデフォルメの妙が見られ、見る者に強い印象を与えます。限られた情報から推測するに、これらの技法は、それぞれの神が持つ福徳を視覚的に魅力的に伝えるための工夫として活用されていると考察されます。
七福神は、恵比寿（えびす）、大黒天（だいこくてん）、毘沙門天（びしゃもんてん）、弁財天（べんざいてん）、福禄寿（ふくろくじゅ）、寿老人（じゅろうじん）、布袋（ほてい）の七柱の神々を指し、それぞれに異なる福徳を司る、日本の代表的な吉祥のモチーフです。室町時代後期に信仰が始まり、江戸時代には庶民の間で広く親しまれるようになりました。本作の「有閑之図」という題名は、七福神が日々の職務を離れ、のんびりと自由な時間を過ごしている様子を描いていることを示唆しています。これは、当時の人々が混乱の時代の中で、心身の休息や平和な日常を願っていたことの表れと解釈できます。暁斎は、こうした伝統的な神々を、威厳ある姿だけでなく、人間味あふれる親しみやすい存在として描くことで、見る者が自らの生活に重ね合わせ、幸福への期待や共感を抱くことを意図したと考えられます。神々が「有閑」であることは、人々の生活にもゆとりと豊かさが訪れることを願う象徴的な意味が込められていると推測されます。
河鍋暁斎は「画鬼」と称されるほどに卓越した画力と制作意欲を持ち、その生前から国内外で高い評価を得ていました。彼は浮世絵、肉筆画、風刺画など多岐にわたるジャンルを手がけ、そのいずれにおいても才能を発揮しました。「七福神有閑之図」のような吉祥画は、当時の家庭や商家において、繁栄や幸福を願う象徴として需要が高く、広く愛好されたと推測されます。暁斎の作品は、伝統的な主題を扱いながらも、彼のユーモアと独特の視点によって新たな価値を付与されたため、単なる模倣に終わらず、見る者に新鮮な感動を与えました。彼の写実性と細部へのこだわり、そして大胆な構図は、明治以降の日本画の発展に多大な影響を与え、後世の画家たちにも多くのインスピレーションを与えました。現代においても、その技術力、表現の幅広さ、そして時代を超えた普遍的なユーモアは高く評価されており、日本の美術史において重要な位置を占める画家として再認識されています。