河鍋暁斎
ゴールドマン コレクション「河鍋暁斎（かわなべ きょうさい）の世界」展で紹介される河鍋暁斎の「鬼を蹴り上げる鍾馗（しょうき）」は、明治4年から22年（1871年から89年）にかけて制作された一幅の掛軸です。この作品は、疫病や邪気を祓（はら）うとされる鍾馗が、力強く鬼を蹴り上げている瞬間を捉えており、暁斎ならではの豪快かつ躍動感あふれる筆致（ひっち）が特徴です。
河鍋暁斎は、幕末から明治初期にかけて活躍した絵師であり、伝統的な浮世絵や日本画の技術を継承しつつ、時代を反映した satirical（サティリカル）な風刺画や、ユーモラスな動物画、そして神仏画や妖怪画など多岐にわたるジャンルの作品を手がけました。本作品が制作された明治初期は、西洋文化が急速に流入し、社会が大きく変革していく時代でした。そのような激動の時代にあって、暁斎は伝統的な題材に独自の解釈と表現を加え、新しい感覚で描き出しています。鍾馗は古くから魔除けの象徴として描かれてきた題材ですが、暁斎は単なる威厳ある姿だけでなく、力強さの中にどこか芝居がかったような、あるいはユーモラスな要素を忍ばせることで、見る者に親しみやすさを与えようとしたと推測されます。また、この時期の暁斎は、画壇での評価を確立しながらも、自身の表現を追求し続ける精力的な活動を行っており、本作もその探求心の一端を示すものと考えられます。
「鬼を蹴り上げる鍾馗」は、一幅の掛軸として制作されています。掛軸は主に紙や絹に、墨と顔料を用いて描かれ、表装（ひょうそう）を施したものです。暁斎は、その卓越した筆の技術で知られており、本作においても、鍾馗の力強い体躯（たいく）や躍動的な動きは、墨の濃淡やかすれを巧みに使い分け、勢いのある線描（せんびょう）で表現されています。特に、鬼を蹴り上げる鍾馗の衣のひるがえりや、宙を舞う鬼の表情には、見る者を飽きさせないダイナミズムが込められています。色彩は、伝統的な日本画の顔料が用いられ、鍾馗の赤ら顔や衣の色、鬼の姿などが鮮やかに彩られていると推測されます。墨と顔料の組み合わせにより、対象の存在感と奥行きが表現され、掛軸という形式が持つ空間性の中で、物語性豊かな画面が構成されています。
本作品の主要なモチーフである鍾馗は、中国に起源を持つ伝説上の人物で、日本では古くから疫病退散や魔除けの神として信仰されてきました。大きな目と立派な髭（ひげ）、そして官服をまとい、剣を持つ姿で描かれるのが一般的です。鬼は、日本では邪悪なもの、災いをもたらすもの、あるいは人間の業（ごう）や煩悩（ぼんのう）の象徴として描かれることが多いモチーフです。この作品では、鍾馗が鬼を「蹴り上げる」という、非常に動きのある場面が選ばれています。これは、単に鬼を退治するだけでなく、その邪悪な存在を力強く排斥し、跳ね除けるという強い意思や行動を象徴していると考えられます。鑑賞者はこの作品を通して、家内安全や無病息災、厄除けといった願いを重ね合わせたことでしょう。暁斎は、こうした伝統的な意味合いを踏まえつつも、その表現に独特のユーモアや躍動感を加えることで、堅苦しくなりがちな神仏画に、新たな魅力を吹き込んだと言えます。
河鍋暁斎は、その画業を通じて、伝統的な日本絵画の形式を維持しながらも、時代ごとの新しい表現を果敢に取り入れた絵師として、当時から高い評価を得ていました。彼の作品は、その卓越した描写力と、豊かな想像力、そして時に辛辣（しんらつ）な風刺精神によって、多くの人々を魅了しました。本作品のような鍾馗図は、魔除けや縁起物として庶民にも広く親しまれ、暁斎の画力が遺憾なく発揮された分野の一つです。明治時代に入り、浮世絵や伝統絵画の価値が揺らぐ中で、暁斎は国内外のコレクターから注目され、日本画の新しい方向性を示す存在となりました。彼の描く、生命力に満ちた人物や動物、妖怪たちは、後世の画家たちにも大きな影響を与え、その類まれなる才能は、現代においても再評価され続けています。特に、伝統的な題材に斬新な解釈と筆致を加える姿勢は、日本の美術史における彼の独自性を確立する上で重要な要素となっています。