河鍋暁斎
「ゴールドマン コレクション 河鍋暁斎（かわなべきょうさい）の世界」展では、明治時代に活躍した奇才・河鍋暁斎が手掛けた「とうもろこし図」と「すすき図」が双幅（そうふく）として展示されています。これらの作品は、暁斎が伝統的な日本の画題と表現を追究し続けた一端を示すものと推測されます。
本作品は明治4年から22年（1871年から1889年）にかけて制作されました。この時期の日本は、江戸時代から明治時代への大きな変革期であり、西洋文化の流入と伝統文化の再評価が同時に進行していました。浮世絵師から日本画家へとその活動の幅を広げた河鍋暁斎は、こうした時代の波に乗りながらも、自身の確かな画力と、時に戯画的な要素を交えた独自の表現を追求し続けました。本作のような植物画は、伝統的な花鳥画（かちょうが）の系譜に連なるものであり、近代化の喧騒の中で、移ろいゆく季節の美しさや自然の生命力を描くことで、精神的な静けさや日本の美意識を表現しようとしたものと考えられます。秋の情景を描いたこれらの作品は、季節の移ろいを慈しむ日本人の感性を反映し、写実と装飾性を兼ね備えた暁斎の画風を示すものと言えるでしょう。
「とうもろこし図」と「すすき図」は、日本の伝統的な絵画形式である双幅の掛軸として制作されました。通常、日本画では絹や和紙を支持体とし、墨と顔料を用いて描かれます。河鍋暁斎は、その卓越した筆遣いで知られており、本作においても、とうもろこしの葉の力強い線や実の質感、すすきの穂の繊細な表現に、その技量が遺憾なく発揮されていると推測されます。特に、風になびくすすきの描写には、墨の濃淡やかすれを巧みに用いることで、空気感や動きが表現されていると考えられます。また、画面全体の構図や余白の取り方からは、対象の本質を捉えつつも、鑑賞者の想像力を喚起させるような、洗練された美意識がうかがえます。
とうもろこしは、実りの秋や豊穣を象徴するモチーフとして、古くから親しまれてきました。その生命力あふれる姿は、豊かさや繁栄を意味すると考えられます。一方、すすきは、日本の秋を代表する植物であり、月見などにも用いられることから、静かで風情のある秋の情景や、もののあはれといった無常観を表す象徴とされてきました。双幅として対で描かれることで、「とうもろこし図」が生命力や収穫の喜びを、「すすき図」が移ろいゆく季節の情感や叙情性を表現し、二つの作品が互いに補完し合いながら、日本の秋の多面的な美しさを描き出していると解釈できます。これらは、単なる植物の描写に留まらず、自然への深い洞察と、季節がもたらす感情の機微を表現しようとした暁斎の意図が込められていると推測されます。
河鍋暁斎は、「画鬼（がき）」と称されるほどの圧倒的な画力と、幅広い画題をこなす多才さで、幕末から明治にかけて活躍しました。彼の作品は、当時の西洋人コレクターからも高く評価され、日本美術が国際的に注目されるきっかけの一つとなりました。本作品のような自然を描いた作品は、彼の持つ写実的な描写力と、伝統的な日本画の精神性が融合した例として位置づけられます。これらの作品が発表された当時の具体的な評価については明確な記録が少ないものの、暁斎が描く花鳥画は、その細密な描写と生命感あふれる表現によって、多くの人々を魅了したと考えられます。後世の画家たちに対しては、伝統的な画題を現代的な感覚で再解釈する姿勢や、写実性と戯画性を両立させる独自の画風が、多様な表現の可能性を示唆したと言えるでしょう。美術史においては、激動の時代にあって、伝統と革新の狭間で日本画の新たな可能性を探求し続けた暁斎の画業の一環として、その意義が評価されています。