河鍋暁斎
ゴールドマン コレクションが所蔵する河鍋暁斎（かわなべきょうさい）の「天狗たちの書画展観会」は、明治時代（めいじじだい）に制作された一幅の掛軸であり、伝統的な天狗（てんぐ）のモチーフと現代的な書画展覧会を融合させた、暁斎（きょうさい）ならではのユーモアと風刺が込められた作品です。
本作が制作された明治4年から22年（1871-89）という時期は、日本が急速な近代化の波に洗われ、伝統文化と西洋文化が混じり合う変革期にあたります。河鍋暁斎（かわなべきょうさい）は、この時代の変化を肌で感じながら、ときに伝統的な画題に現代的な解釈を加え、ときに社会風刺を盛り込んだ作品を数多く手掛けました。天狗（てんぐ）を主題としながらも、彼らが人間さながらに書画を鑑賞し、議論する「展観会」という設定は、当時の美術界や人間社会のあり方に対する暁斎（きょうさい）の鋭い視点や、諧謔精神（かいぎゃくせいしん）を反映していると考えられます。特定の書画会を直接的に批判する意図があったかは定かではありませんが、伝統的な神仏や妖怪（ようかい）といった超自然的な存在を、人間的な振る舞いをさせることで、当時の風俗や価値観を相対化し、見る者に笑いと省察を促そうとしたと推測されます。
この作品は一幅（いっぷく）の掛軸として制作されており、墨と顔料を用いて絹または紙に描かれていると推測されます。河鍋暁斎（かわなべきょうさい）は、狩野派（かのうは）で培った確かな筆致と、浮世絵（うきよえ）で養われた描写力を兼ね備えていました。本作においても、天狗（てんぐ）一人ひとりの表情や仕草、衣のひだに至るまで、細部にわたる精緻な描写が施されていると考えられます。また、墨の濃淡を巧みに使い分け、立体感や奥行きを表現する一方で、要所には鮮やかな彩色を施すことで、画面に生命感と物語性を与える工夫がなされていると想像されます。特に、天狗（てんぐ）の顔や羽毛の表現には、筆の勢いと墨のにじみを生かした、暁斎（きょうさい）特有の力強くも繊細な筆致が見て取れるでしょう。
天狗（てんぐ）は、日本の民間信仰において山に棲むとされる伝説上の存在であり、神通力を持つ一方で、傲慢さや俗っぽさを持つ存在としても描かれることがあります。彼らが「書画展観会」を開催するという本作の主題は、まず伝統的な天狗（てんぐ）のイメージを人間的な俗世間に引き下ろし、親しみやすい存在として描くことで、見る者の想像力を刺激します。書画は日本の伝統文化の粋であり、これを天狗（てんぐ）が鑑賞するという構図は、人間が築き上げてきた文化や芸術を、異界の存在がどのように捉えているのか、あるいは人間界の価値基準を異界の視点から問い直すという多層的な意味を含んでいると考えられます。さらに、作品全体に漂うユーモラスな雰囲気は、特定の個人や事象を直接的に批判するのではなく、人間社会全体が持つ滑稽さや矛盾を、柔らかくも的確に表現しようとする暁斎（きょうさい）の視点を示唆しています。
「天狗たちの書画展観会」が発表された当時の具体的な評価については、詳細な記録は少ないものの、河鍋暁斎（かわなべきょうさい）が当時からその奇抜な発想と卓越した画力で知られていたことから、同様に好評を博したと推測されます。暁斎（きょうさい）は、伝統的な絵画の形式に囚われず、浮世絵（うきよえ）や戯画（ぎが）の要素を大胆に取り入れ、明治初期の変革期における日本の美術界に独自の地位を確立しました。彼の作品は、生前より英国人建築家ジョサイア・コンドルら外国人にも高く評価され、東西の文化交流の一翼を担ったとされます。本作のような、超自然的な存在を人間社会の文脈に落とし込む作風は、後の日本の漫画やアニメーションにおける擬人化表現や、異世界を舞台にした物語創作の萌芽（ほうが）とも見なすことができるでしょう。美術史において、河鍋暁斎（かわなべきょうさい）は、江戸時代（えどじだい）から明治時代（めいじじだい）への過渡期において、伝統と革新を融合させた稀有な存在として位置づけられており、その作品は現代においても、そのユーモアと芸術性によって多くの人々に愛され続けています。