速水御舟
「ＮＨＫ日曜美術館５０年展」に出品されている速水御舟（はやみぎょしゅう）の《紅白芙蓉（こうはくふよう）（芙蓉図）》は、1933年に紙本著色（しほんちゃくしょく）で制作された、日本画壇に確固たる足跡を残した画家による晩年の代表作の一つです。この作品は、日本画の伝統的な美意識と革新的な表現が融合した、御舟芸術の到達点を示すものとして高く評価されています。
速水御舟は、大正から昭和初期にかけて活躍した日本画家で、写実を極めながらも、その中に象徴性や装飾性を追求した独自の画風を確立しました。彼の芸術は、伝統的な日本画の枠組みにとらわれず、西洋の写実主義やキュビスムなどの影響も貪欲に取り入れ、新たな表現を模索し続けた点に特徴があります。本作が制作された1933年（昭和8年）は、彼が40歳で惜しまれつつこの世を去る前年であり、画家としての円熟期に到達しながらも、なお探求の手を緩めなかった時期にあたります。この時期の作品には、対象の本質を深く見つめ、余分なものを削ぎ落とした簡潔かつ力強い表現が多く見られます。《紅白芙蓉》もまた、そのように研ぎ澄まされた美意識のもとに生み出された作品であり、生と死、あるいは移ろいゆくものの美しさといった深遠なテーマが込められていると推測されます。
《紅白芙蓉》は、日本画の伝統的な素材である紙に岩絵具（いわえのぐ）や水干絵具（すいひえのぐ）を用いて彩色する「紙本著色」の技法で描かれています。御舟は、伝統的な技法を深く理解しつつも、それを独自の表現のために自在に駆使しました。本作では、芙蓉の花びらの繊細な質感や色彩のグラデーションが、岩絵具の持つ粒子感と透明感を巧みに利用することで表現されています。特に注目すべきは、線描（せんびょう）を極力抑え、色彩の濃淡やにじみによって形を表現する「没骨法（もっこつほう）」に近い表現が見られる点です。これにより、芙蓉の柔らかさや、まるで光を放つかのような存在感が際立っています。また、背景をあえて省略し、空間を大胆に用いることで、モチーフである紅白の芙蓉が持つ生命力がより一層強調されています。
芙蓉は、アオイ科の植物で、古くから東アジアにおいて美しさや優雅さの象徴とされてきました。一日花であり、朝に咲き夕方にはしぼむその性質から、「はかない美しさ」や「移ろいゆく生命」の象徴としても捉えられます。本作では、白と紅の二色の芙蓉が描かれており、これらは単なる色彩の対比だけでなく、生と死、あるいは対立する二元的な要素の調和といった深い象徴性を内包していると考えられます。御舟の作品はしばしば、一見すると写実的な表現の中に、自然の摂理や人間の営みといった普遍的なテーマを潜ませていました。《紅白芙蓉》においても、その簡潔な構図と色彩の中に、見る者に生命の尊さや時間の流れについて深く思索させるような、静謐（せいひつ）でありながらも力強いメッセージが込められていると解釈できます。
速水御舟は、早くからその才能を認められ、横山大観（よこやまたいかん）をして「御舟の前に御舟なく、御舟の後に御舟なし」と言わしめるほど、唯一無二の存在でした。彼の作品は、当時の日本画壇に新しい風を吹き込み、伝統に安住することなく常に革新を追求する姿勢は、多くの後進の画家に大きな影響を与えました。特に《炎舞》や《名樹散椿（めいじゅちりつばき）》に代表されるような、対象の本質に迫る描写と、それを象徴的に表現する独自のスタイルは、戦後の日本画の方向性にも少なからず影響を与えたとされています。《紅白芙蓉》は、彼の晩年の境地を示す作品として、その清澄（せいちょう）な美しさと内包する深遠な精神性において、御舟芸術の到達点の一つとして今日でも高く評価されています。美術史においては、伝統と革新の狭間で日本画の新たな可能性を切り開いた画家として、その功績は不動のものとなっています。