葛飾北斎
葛飾北斎の代表作「冨嶽三十六景」シリーズより、「相州梅澤左」は、北斎の画業の到達点を示す傑作として知られています。本作品は「北斎 冨嶽三十六景 井内コレクションより」展において展示されています。
本作品が属する「冨嶽三十六景」シリーズは、天保2年（1831年）頃に刊行が始まり、葛飾北斎が72歳という晩年に手がけた風景画の揃物です。当時の江戸では富士山への信仰である「富士講」が盛んで、この富士講ブームに目をつけた版元「西村永寿堂」が北斎に富士山の風景画制作を依頼したことが、シリーズ制作のきっかけとなりました。当初36図が企画されましたが、その好評を受けてさらに10図が追加され、全46図となりました。「相州梅澤左」はこの追加された10図の一つ、あるいは初期の36図の中に含まれる作品とされています。
このシリーズ全体を通して、北斎は富士山を単なる景勝地としてではなく、様々な場所や角度、季節、そして気象条件のもとで、そこに生きる人々の暮らしや営みと共に描写しようと試みています。特に「相州梅澤左」においては、富士山と鶴という縁起の良い組み合わせを描くことで、吉祥画としての意味合いも込められていると考えられます。
「相州梅澤左」は、当時の浮世絵版画の一般的な制作体制である、絵師（葛飾北斎）、彫師、摺師による高度な分業体制を経て完成しました。
主要な素材としては、和紙が用いられ、顔料には「ベロ藍」の通称で知られるプルシアンブルーが多用されています。このベロ藍は、18世紀初頭にヨーロッパで発見され、延享4年（1747年）に日本に輸入された舶来の顔料で、当時の浮世絵師たちの間でその鮮やかな発色が人気を集めました。
技法としては、複数の版木を用いて色彩を重ねていく多色摺り木版画、いわゆる錦絵の手法が用いられています。本作品は特にベロ藍を基調とした「藍摺り」と呼ばれる作品であり、画面全体に静謐な雰囲気を醸し出しています。彫師は絵師の描いた下絵を色数に応じて複数の版木に彫り分け、摺師は、版木に絵の具を置き、バレンを駆使して色を摺り重ねていきます。この際、水、絵の具、糊を使って正確な濃淡を表現する「ぼかし」や、絵の具をつけずに紙に凹凸をつける「空摺り」、また「きめ出し」といった江戸木版画独自の高度な技術が用いられ、作品に奥行きと表情を与えています。北斎は、西洋から伝わった遠近法、特に消失点がない「零点透視図法」を多くの作品で巧みに活用し、奥行きのある空間表現を確立しました。
「相州梅澤左」に描かれている「梅沢」は、現在の神奈川県中郡二宮町梅沢地区に位置します。この地は、江戸時代には東海道五十三次の大磯宿と小田原宿の間に位置する「立場（たてば）」と呼ばれる休憩所で、かつては宿場町に匹敵する賑わいを見せていたと言われています。しかし、作品に描かれているのは人家のない山深い静かな情景であり、大きくそびえる富士山の周辺には霞がたなびいています。水辺には5羽の鶴が佇み、2羽の鶴が富士山に向かって悠然と飛翔する姿が描かれています。
作品タイトルにある「梅澤左」の「左」については、「梅澤庄」あるいは「梅澤在」の誤刻ではないかという説が有力視されています。この絵は、特定の場所の写実的な風景というよりは、富士山と鶴の組み合わせが、蓬莱山図のような理想郷や縁起の良い「吉祥画」としての意味合いを強く持っています。藍色を基調とし、たなびく霞に微かに紅色を施すことで、早朝の清らかな空気感が表現されており、北斎の高度な技術と美的感覚が示されています。北斎が鶴の描写に強いこだわりを持っていたことも、他の作品から窺い知ることができます。
「冨嶽三十六景」シリーズは出版されるやいなや大ヒットを記録し、それまで美人画や役者絵が主流であった浮世絵界に、風景画（名所絵）という新たなジャンルを確立した画期的な作品として評価されています。
「相州梅澤左」を含む「冨嶽三十六景」は、日本国内だけでなく、海外においても極めて高い評価を受けています。開国後、作品がヨーロッパに渡ると、19世紀後半に「ジャポニスム」と呼ばれる日本美術ブームを巻き起こしました。北斎の大胆な構図、遠近法にとらわれない自由な視点、そして油彩画にはない透明感のある鮮やかな色彩は、当時の西洋の芸術家たちに大きな衝撃を与え、印象派やポスト印象派、アール・ヌーヴォーといった新たな西洋美術の誕生に貢献しました。フィンセント・ファン・ゴッホやクロード・モネ、クロード・ドビュッシーなど、多くの著名な画家や作曲家が北斎の作品からインスピレーションを受けたとされています。
葛飾北斎は、1999年にアメリカの雑誌『ライフ』が選出した「この1000年で最も偉大な功績を残した世界の人物100人」に、日本から唯一選出されており、その国際的な評価の高さを示しています。また、「冨嶽三十六景」は2020年に刷新された日本のパスポートの査証ページのデザインにも採用されており、現代においても日本の象徴的な芸術作品として広く認知されています。
「相州梅澤左」は、浮世絵としては高尚で面白味に欠けるという評価もある一方で、その静謐な雰囲気と吉祥を意味するモチーフは、北斎の深い精神性と高度な表現力が融合した作品として、後世に多大な影響を与え続けています。