葛飾北斎
本記事では、展示会「北斎 冨嶽三十六景 井内コレクションより」に展示されている葛飾北斎の「相州七里濵」についてご紹介します。
「相州七里濵」は、江戸時代後期の浮世絵師、葛飾北斎が72歳頃にあたる天保2年（1831年）頃から発表した連作「冨嶽三十六景」の一図です。 当時、庶民の間で富士山を拝み心願を叶える「富士講」という民間信仰が盛んだったことを背景に、版元である西村永寿堂が北斎に富士山を題材とした風景画の制作を依頼しました。
「冨嶽三十六景」は当初36図として計画されましたが、その人気から「裏富士」と呼ばれる10図が追加され、最終的には全46図で完結しました。 このシリーズは、それまで美人画や役者絵が主流であった浮世絵界に、風景画という新たなジャンルを確立する記念碑的な作品となりました。 北斎は、必ずしも実在の風景そのままを描いたわけではなく、奇抜な視点や大胆な発想を構図に取り入れ、富士山の様々な表情を表現しました。
この作品は、絵師、彫師、摺師による分業体制で制作される浮世絵木版画です。 特に「相州七里濵」は、藍摺（あいずり）と呼ばれる技法が用いられているのが特徴です。 藍摺とは、主に藍色の濃淡で画面が構成されるもので、当時ヨーロッパから輸入され、鮮やかな発色を持つ化学顔料「ベロ藍」（プルシアンブルー）が基調として使われています。
「相州七里濵」では、藍と緑のぼかしが多用され、中景に濃い藍色を配することで画面全体が引き締められています。 このような繊細な色彩表現は、堅くて粘りのある山桜の版木に彫師が墨線や色ごとの輪郭を彫り、摺師が和紙に色を調整しながら丹念に摺り重ねることで生み出されました。
「相州七里濵」は、現在の神奈川県鎌倉市にある稲村ヶ崎から相模湾越しに見た風景を描いています。 前景には鎌倉山が描かれ、その向こうには小動岬（こゆるぎみさき）や江の島と思われる島影、そして遠景に雪をいただいた富士山が配置されています。
藍摺特有の清々しい味わいが際立つ本作は、空に立ち昇る入道雲から夏が想起される一方で、涼やかな色彩感覚により爽やかな印象を与えます。 また、この作品には人物がほとんど描かれておらず、行楽地でありながら寂しい景観が広がり、どこか現実離れした異空間のような冷淡さが感じられる点は、北斎の風景画に見られる特有の面白さとも評されます。
富士山は江戸時代の人々にとって信仰の対象であり、北斎の作品は富士山の神秘的な魅力と日本の風景の雄大さを象徴していました。 「相州七里濵」においては、近景の鎌倉山から小動岬を経て彼岸の富士へと繋がる構図、相模湾に反射する日の光、そして七里ヶ浜が鎌倉鶴岡八幡宮の裏鬼門にあたることから、「結界の富士」として、富士の日神としての側面が表現されている可能性も指摘されています。
「冨嶽三十六景」シリーズは出版直後から大ヒットし、浮世絵における風景画というジャンルを確立しました。 その斬新な構図や鮮やかな色彩、型にとらわれない自由な表現は、日本国内にとどまらず、海外でも高く評価されています。
19世紀後半、欧米で日本の美術工芸品が注目される「ジャポニスム」と呼ばれる日本趣味の流行が起こり、「冨嶽三十六景」は、ゴッホやモネ、ドガといった印象派の画家たちに大きな影響を与えました。 例えば、フランスの版画家アンリ・リヴィエールは、「冨嶽三十六景」に着想を得て「エッフェル塔三十六景」を制作しています。
葛飾北斎は、1999年にはアメリカの雑誌『ライフ』が選ぶ「この1000年で最も重要な功績を残した世界の人物100人」に日本人で唯一選出され、その国際的な評価の高さを示しました。 現在でも「冨嶽三十六景」は日本のパスポートの査証ページや新千円札のデザインに採用されるなど、日本の文化を象徴する作品として広く認知されています。