葛飾北斎
葛飾北斎「山下白雨」
「山下白雨」は、江戸時代後期の浮世絵師、葛飾北斎（かつしかほくさい）が天保年間（1830〜1832年頃）に発表した連作「冨嶽三十六景（ふがくさんじゅうろっけい）」の一図です。北斎が70歳代前半に手がけたこのシリーズは、当時の江戸で盛んだった富士山信仰「富士講」のブームに着目した版元、西村永寿堂（にしむらえいじゅどう）の依頼により企画されました。 北斎は、単に富士山の風景を描くだけでなく、各地から見た富士山の姿や、その麓で営まれる人々の生活、そして四季や気象条件によって刻々と変化する富士の表情を、時に大胆な構図と鮮やかな色彩で表現することを意図しました。 「山下白雨」は、同じシリーズの「凱風快晴（がいふうかいせい）」（通称「赤富士」）と並び、「冨嶽三十六景」の中でも特に傑作とされる「三役」の一つに数えられます。 これらの作品は、特定の地名がタイトルに含まれていない珍しい例であり、特定の場所の写実描写というよりは、象徴的な富士山の姿を描いたものと考えられています。
「冨嶽三十六景」は、多色摺りの錦絵（にしきえ）と呼ばれる浮世絵版画の技法で制作されました。 制作は、絵師（北斎）、彫師（ほりし）、摺師（すりし）という専門職の分業体制によって行われます。
まず、絵師である北斎が原画（版下絵）を描きます。 次に、彫師がこの原画を桜材の版木に貼り付け、北斎の描いた細やかな線を忠実に彫り進めます。色数が多い多色摺りのため、色ごとに複数の版木が彫られます。 最後に、摺師が和紙（主に最高級の越前生漉奉書紙（えちぜんきずきほうしょし））に水で溶いた顔料を刷毛で塗り、バレンという道具を使って紙の背面から圧力をかけ、色を重ねていきます。 この際、摺師は温度や湿度によって変化する和紙の質感を見極め、ぼかしなどの繊細な技術を駆使して、作品に奥行きと臨場感を与えます。
絵の具には、当時輸入されたばかりの化学顔料「ベロ藍」が積極的に用いられ、従来の植物染料では表現できなかった鮮やかな青色が「北斎ブルー」として作品群の特色となりました。 しかし「山下白雨」は、その通称「黒富士」が示すように、藍色を基調とするシリーズの中で、印象的な黒と白、そして稲妻の表現に大胆な色彩が用いられています。
「山下白雨」は、通称「黒富士」として広く知られています。 画題の「山下」は山の麓、「白雨」は夕立やにわか雨を意味します。 作品は、真夏の昼下がり、山頂付近には清々しい青空が広がる一方で、その麓には漆黒の雨雲が立ち込め、稲妻が閃き、激しいにわか雨が降り注ぐ様子を描いています。
この絵は、快晴の「凱風快晴」（赤富士）が「静的な富士」を表現するのに対し、「動的な富士」を象徴していると解釈されます。 峻厳な富士の姿と、その周辺に立ち込める静寂かつ緊迫した雰囲気、そして瞬時に変化する自然の雄大さと厳しさが、見事に一枚の絵の中に凝縮されています。 特定の地理的景観に縛られず、夏の富士が持つ多様な表情、そして日本人の心に深く根付く富士山のイメージを、概念的・象徴的に表現した作品と言えるでしょう。
「冨嶽三十六景」シリーズ全体は、その出版と同時に大ヒットを記録し、それまで美人画や役者絵が主流であった浮世絵界において、風景画という新たなジャンルを確立する画期的な作品となりました。
「山下白雨」を含む「冨嶽三十六景」は、その斬新な構図や鮮やかな色彩感覚により、日本国内だけでなく、海外の芸術家たちにも多大な評価と影響を与えました。 19世紀後半にヨーロッパで起こった日本美術の一大ムーブメント「ジャポニスム」の象徴的作品となり、クロード・モネ、フィンセント・ファン・ゴッホ、エドガー・ドガといった印象派の画家たちに、構図や色彩、遠近法などに新たなインスピレーションを与えました。
現代においても「山下白雨」は、日本を代表する芸術作品として広く認知されており、2020年には「凱風快晴」とともに日本のパスポートの査証ページのデザインにも採用されました。 このことからも、本作品が国内外でいかに高く評価され、日本の文化遺産として深く根付いているかが示されています。