阿部展也(芳文) / Abe Nobuya (Yoshibumi)
本展覧会では、近代美術の発展に貢献した「モダンアートの街・新宿」にゆかりの深い芸術家たちの作品を紹介します。本記事では、その中から阿部展也の油彩画「骨の歌」を取り上げ、その背景と芸術性について解説します。
阿部展也は、1913年に新潟県に生まれ、独学で絵画を学びました。1937年には詩人・瀧口修造との共作詩画集『妖精の距離』を発表し、若くしてシュルレアリスムの旗手として注目を集めます。第二次世界大戦中には陸軍の報道部写真班員としてフィリピンに赴き、戦後の1946年に帰国しました。
帰国後、阿部は新宿下落合にアトリエを構え、シュルレアリスムを基盤としながらも、キュビスムや実存的な表現を取り入れた人間像を描くようになります。この時期は、過酷な戦争体験を経て、人間存在の根源や変容を探求する制作に没頭していました。1949年に制作された代表作の一つ「飢え」も、こうした戦後の人間観を色濃く反映した作品です。
1950年制作の「骨の歌」は、この戦後初期の阿部展也の創作における重要な位置を占める作品です。戦後の混乱と再生の中で、人間存在の剥き出しの真実、あるいは死と再生、普遍的な生命の構造といったテーマが「骨」というモチーフに託されていると考えられます。表面的な肉体を超えた、根源的な存在としての人間像を捉えようとする阿部の意図が込められています。
本作品は「油彩・カンヴァス」という伝統的な画材を用いて制作されています。阿部展也は、常に時代ごとの前衛的な表現を追求し、画風や技法をめまぐるしく変化させた作家ですが、この時期の油彩画には、キュビスムやシュルレアリスムの影響が見られます。形態を分解し再構成するキュビスム的な手法や、無意識の世界を探求するシュルレアリスム的なアプローチが、人間像の変容を描く上で用いられています。油絵具の特性を活かし、重層的な色彩と形態によって、鑑賞者に深い思索を促す画面が構成されています。
「骨の歌」という作品名は、人間の根源的な要素である「骨」が持つ静かで力強い存在感と、そこに宿る生命の頌歌を暗示しています。戦争という極限状態を経験した阿部展也にとって、「骨」は生命の脆さと同時に、困難を乗り越えて生き続ける人間の普遍的な強さの象徴であったとも解釈できます。
阿部展也は、生涯を通じてジャンルや国境を越え、その活動は多岐にわたりました。戦後、新宿下落合のアトリエを拠点としていた彼は、若い芸術家たちのリーダー的存在として交流し、日本の現代美術の発展に大きな影響を与えました。彼は、国内外の最新の芸術動向を貪欲に吸収し、自身の作品に反映させるだけでなく、日本に紹介する役割も果たしました。その知的な探求心と旺盛な活動力によって、阿部展也の作品は常に前衛的な作風を保ち、日本の美術界において「あくなき越境者」として高く評価されています。